EL VIBRATO EN EL BARROCO
El uso que los intérpretes barrocos hacían del vibrato era moderado. De hecho, se utilizaba solo para enfatizar notas de duración larga o sonidos acentuados, y siempre en piezas cuyo contenido expresivo lo requiriese. Dicho de otra manera, contrariamente a lo que se hace en la práctica moderna, donde el vibrato es parte del sonido/técnica base, para el violinista barroco el vibrato era un recurso técnico que debía ser utilizado según el efecto expresivo deseado, de ahí que trabajasen no solo sobre un único tipo.
En el barroco (y también hoy en día), los más comunes eran el vibrato de antebrazo (amplio y lento) y el de muñeca (pequeño y rápido). Sin embargo, el que contaba con menos seguidores era el de dedo, siendo su mayor defensor Francesco Sfilio, alumno de Camillo Sivori quien, a su vez fue discípulo de Paganini.
El vibrato de dedo, que se ejecuta con un movimiento ascendente y descendente y sin abandonar la cuerda, presenta en realidad varias ventajas: por un lado, no se desafina, pues no hay desplazamiento horizontal. También, al incluir la combinación de movimientos diferenciados, es decir, horizontal en la mano derecha y vertical en la izquierda, ayuda a conseguir una interesante independencia de las manos. Como valor añadido, este vibrato ayuda a ejercitar los dedos, algo que supone una ventaja cuando, por ejemplo, queremos alcanzar una mayor facilidad y claridad en la ejecución de los trinos, así como en los pasajes cromáticos. En su libro Applicazioni del vibrato: Il vibrato sul violino e la viola. Teoria e pratica, Edoardo Oddone propone el siguiente ejercicio para practicar el vibrato de dedo: tocar sonidos largos y aumentar su volumen a medida que el vibrato se acelera y disminuirlo a medida que el vibrato se desacelera. Personalmente recomiendo aplicar este ejercicio con la ayuda de un metrónomo y a una velocidad lenta.
La diferencia más básica que existe entre el vibrato barroco y el romántico tiene que ver con la forma de ondulación del sonido. Así, en el periodo romántico los violinistas utilizaban con más frecuencia un vibrato constante, pues consideraban que aportaba color al sonido o, dicho de otra manera, belleza. Por el contrario, los violinistas barrocos pensaban que el vibrato, además de belleza, imprimía tensión y amplitud al sonido, lo que a su vez daba una mayor capacidad expresiva al intérprete. Por esta razón variaban su velocidad de ondulación, para expresar emociones: alegría, desesperación, ternura, etc.
La aplicación del vibrato en el periodo barroco, como regla general, llevaba aparejada la aplicación de la técnica messa di voce, que consiste en aumentar y disminuir el volumen de cada sonido según queramos aumentar o disminuir la tensión en él. En este sentido, y como rutina de trabajo previa a la aplicación del vibrato, considero interesante practicar el repertorio primeramente sin vibrato y aplicando la técnica messa di voce. Una vez cumplamos este objetivo, el siguiente paso consistirá en añadir vibrato siempre que sea necesario, como por ejemplo atendiendo a algún valor de redonda o a un acento.
En su tratado para flauta, Johann Joachim Quantz (1697-1773) ya advertía la importancia de sostener “de una manera considerable” las notas largas, para lo cual sugería hacerlo “creciendo y disminuyendo la fuerza del tono” (messa di voce). No menos reveladora era la manera en la que el compositor Marin Marais (1656-1728) llegaba a utilizar el símbolo “e” sobre un ornamento, queriendo decir que el violinista debía “hinchar” (“enfler”, en francés) el sonido; o sobre un puntillo, para indicar el mismo efecto. También resulta curiosa la manera en que especifica el uso del vibrato, con una línea ondulante sobre determinadas notas blancas.
Yo opino que sin esa dimensión expresiva que nos da el vibrato, la música barroca sonaría excesivamente uniforme. Pero, por esa misma razón, el vibrato hay que usarlo con un sentido interpretativo claro, esto es, con un efecto que sea perceptible, y sobre todo sin excesos. Si se abusa, el vibrato deja de causar impacto en el oyente, pierde fuerza. En mis propias interpretaciones, tiendo a marcarme como objetivo el momento central de la nota que deseo vibrar, para acabarla sin vibrato. De esta manera, considero que el sonido finaliza de forma natural. De hecho, cuando escucho versiones actuales de obras barrocas, me resulta extraño escuchar el vibrato continuado porque me parece que elimina una parte importante de su capacidad para expresar musicalmente las emociones, que son una parte importante de nuestra experiencia con la música.
Expresión y belleza en el vibrato
El vibrato en la música barroca puede describirse como una oscilación sutil y de buen gusto del tono utilizada para expresar emoción y textura en la música. El uso del vibrato puede crear una sensación de calidez, profundidad y riqueza de sonido que puede resultar cautivadora para el oyente. El vibrato también puede utilizarse para expresar diferentes estados de ánimo y emociones en la música. Por ejemplo, un vibrato lento y amplio puede utilizarse para expresar tristeza o añoranza, mientras que un vibrato rápido y estrecho puede expresar alegría o excitación. El vibrato también puede utilizarse para dar forma a la música, enfatizando notas o frases importantes y creando una sensación de tensión y liberación en la música. Cuando se utiliza en combinación con otras técnicas como la articulación, el fraseo y la dinámica, el vibrato puede contribuir a una interpretación más detallada y matizada de la música. El uso del vibrato también puede reflejar el estilo personal del intérprete y su enfoque de la música, añadiendo un toque único y personal a la interpretación.
El debate del vibrato: sin vibrato frente a con vibrato
En lo que respecta al vibrato, los músicos tienen opiniones diferentes sobre su uso en la música barroca. Algunos prefieren tocar sin vibrato, mientras que otros lo incorporan a su interpretación. Las consideraciones más importantes a la hora de utilizar el vibrato son el estilo y el contexto de la música que se interpreta, las preferencias personales y el instrumento que se utiliza. El vibrato no se utilizaba habitualmente en la música barroca porque se creía que restaba pureza y claridad a la música. Sin embargo, hacia el final de la época barroca, el vibrato empezó a utilizarse con más frecuencia. Al decidir si utilizar o no el vibrato en la música barroca, es importante tener en cuenta el estilo y el contexto de la música. El vibrato puede ser más apropiado en piezas más expresivas y emotivas, como las arias de ópera o las piezas para violín solo. En cambio, la música coral o la música antigua para teclado pueden beneficiarse de un enfoque más comedido. Las preferencias personales también influyen en la decisión de utilizar el vibrato. Algunos músicos prefieren la calidez y riqueza que el vibrato añade a su forma de tocar, mientras que otros prefieren un sonido más preciso y claro. Es importante recordar que el vibrato es una elección estilística y que, en última instancia, depende del gusto del intérprete. Por último, el instrumento utilizado también puede influir en la decisión de utilizar el vibrato. Los instrumentos que son naturalmente más suaves o tienen un sonido menos potente pueden beneficiarse de la resonancia y riqueza añadidas que proporciona el vibrato.
El efecto del vibrato en el tono y el sonido
El uso del vibrato puede tener un efecto significativo en el tono y el sonido de una interpretación. El vibrato puede añadir calidez, profundidad y riqueza a una pieza, pero también puede difuminar las líneas de la línea melódica, dificultando su seguimiento por parte del oyente. Si se utiliza correctamente, el vibrato puede realzar la belleza y expresividad de la interpretación de un intérprete. El efecto pulsante creado por el vibrato puede dar la impresión de una voz humana, añadiendo emoción y profundidad a la música. Sin embargo, cuando se utiliza en exceso, el vibrato puede restar claridad y pureza a la música. Puede dificultar que los oyentes sigan la línea melódica, ya que el efecto de vacilación puede distraer. En última instancia, la decisión de utilizar el vibrato en la música barroca es personal y debe tomarse teniendo en cuenta el estilo y el contexto de la música, las preferencias personales y el instrumento utilizado. Cuando se utiliza con gusto y de forma adecuada, el vibrato puede realzar la belleza y expresividad de una interpretación y añadir una rica capa de profundidad y emoción a la música.
Curiosidades: el uso del bebung en la música barroca alemana
La técnica del bebung era una parte importante de la interpretación de la música barroca alemana para teclado. Se decía que añadía profundidad, riqueza y expresividad a la música. La técnica se utilizaba a menudo en piezas más lentas y contemplativas, y se empleaba para enfatizar determinadas notas o frases. La técnica del bebung era especialmente eficaz para crear una sensación de emoción y carácter en la música. La técnica del bebung se utilizó en el estilo interpretativo de varios famosos compositores barrocos alemanes, como Johann Sebastian Bach, Georg Philipp Telemann y Johann Pachelbel. Estos compositores eran conocidos por utilizar ampliamente la técnica en sus obras, lo que subraya la importancia del bebung en la tradición de la música barroca alemana para teclado.
Preguntas frecuentes
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El vibrato es un efecto musical que se crea pulsando ligeramente el tono de una nota, mientras que el trémolo se refiere a la repetición o modulación rápida del volumen. En la música barroca, el vibrato se utiliza con moderación como recurso expresivo, mientras que el trémolo se emplea a menudo como efecto dramático y para crear sensación de movimiento.
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Sí, los violinistas del Barroco utilizaban el vibrato de dedos como forma de vibrato. Era una técnica expresiva utilizada por los instrumentistas de cuerda para realzar la calidad emocional de la música. Sin embargo, se utilizaba con moderación y no de forma tan generalizada como en estilos musicales posteriores.
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En la música barroca, el vibrato operístico se utilizaba como recurso expresivo para transmitir emoción e intensidad. Era un vibrato natural presente en la voz cantada, sobre todo en el registro de soprano. A medida que evolucionaba el estilo musical, también lo hacía el uso del vibrato operístico, surgiendo estilos de vibrato más enfáticos y amplios en periodos posteriores.
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En la música barroca, el vibrato se utilizaba con más moderación y sutileza que en la actualidad. Los músicos barrocos utilizaban el vibrato para añadir énfasis y emoción a las notas sostenidas largas o cuando la música lo requería. En cambio, los músicos actuales suelen utilizar el vibrato de forma continua durante toda su interpretación, independientemente del estilo de música que toquen.
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Francesco Geminiani, destacado violinista y compositor de la época barroca, escribió sobre el vibrato en su tratado "El arte de tocar el violín" en 1751. Afirmó que el vibrato, o "la agitación de la nota", daba vida al sonido y era el "alma de la música". Sin embargo, también aconsejaba que el vibrato se utilizara con moderación y sólo en notas sostenidas largas para no interrumpir la melodía y el ritmo.
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Los instrumentistas de cuerda barrocos incorporaban el vibrato a su forma de tocar moviendo los dedos por las cuerdas, creando una ligera fluctuación en el tono de la nota. El vibrato se utilizaba como herramienta expresiva para transmitir emoción y realzar el color musical. Sin embargo, a menudo se utilizaba con moderación y de forma intencionada, y no continuamente a lo largo de una interpretación.
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Es probable que Bach utilizara el vibrato en su música durante el Barroco, pero, al igual que otros compositores de la época, lo hacía con moderación y en casos concretos en los que la música lo requería. El uso del vibrato en la música de Bach habría sido una elección estilística en función del intérprete y de la pieza musical concreta que se estuviera tocando.
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En la música barroca, los músicos utilizaban varios tipos de vibrato con fines expresivos. Entre ellos estaban el vibrato de dedos en los instrumentos de cuerda, el di voce o vibrato vocal en el canto y el vibrato decaído utilizado en notas más cortas. Cada tipo de vibrato añadía un carácter distintivo y profundidad emocional a la música, al tiempo que se adhería a los principios estilísticos de la época barroca.
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En la música barroca, el vibrato se utilizaba con moderación e intencionadamente, a menudo para añadir énfasis o profundidad emocional a ciertas notas o pasajes. En la música romántica, el uso del vibrato se hizo más continuo y generalizado, a menudo para crear un sonido rico, cálido y expresivo durante toda la interpretación. Esta diferencia refleja el contraste entre las prioridades estilísticas de los dos periodos musicales: la música barroca enfatizaba la claridad y el equilibrio, y la romántica, la emoción y la expresión.
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Aunque el vibrato era una técnica muy conocida y respetada en la música barroca, los cantantes no lo utilizaban con la mayor frecuencia posible. En su lugar, utilizaban el vibrato con moderación e intencionadamente, reservándolo para los momentos en que la música requería una mayor emoción o expresión. Utilizar el vibrato de este modo permitía a los cantantes barrocos mantener el equilibrio, la claridad y la estructura que eran fundamentales para el estilo musical.
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““Sin esa dimensión expresiva que nos da el vibrato, la música barroca sonaría excesivamente uniforme.” ”
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